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Stereolab
Las leyes de la gravedad

FECHA DE PUBLICACIÓN: 07/09/2008

AUTOR: José M. Gallardo

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Foto: Stereolab

Stereolab regresan con su nuevo disco, Chemical Chords, para dejar claro que siguen enarbolando la bandera de lo diferente, de su particular forma de transmitir sus ideas musicales, siempre al borde de la vanguardia del pop y sobre todo de un posicionamiento actitudinal en el que priman la creatividad y la lucha contra lo establecido como elemento filosofal en el que encuentran acomodo las estupendas canciones de su nuevo trabajo. Además, desde Emperor Tomato Ketchup o Dots And Loops no disfrutábamos de unos Stereolab tan atinados.

Chemical Chords es un trabajo distinto pero con la esencia de los Stereolab de sus anteriores discos, recogiendo aciertos, apoyándose en la gran racha creativa que vive Tim Gane -No dejéis pasar la oportunidad de escuchar la gran banda sonora que ha facturado de la película La Vie d´Artiste-, en la pasión y compromiso con los que Laetitia Sadier compone y da voz a las canciones de Stereolab –no dejéis pasar la oportunidad de escuchar su nuevo disco con Monade, titulado Monstre Cosmic-, con la enésima participación en los arreglos de Sean O´Hagan de The High Llamas y el habitual concepto de banda sin banda.

Con el grupo desperdigado por distintas ciudades de Europa, firmando de manera sorpresiva con el sello 4AD y con la intención de pasear su nuevo disco por el mayor número de lugares posibles, Stereolab regresan con la impronta que les da ser uno de los grupos veteranos en eso de llevar el pop a un punto de sorpresa y pasión que les ha dado la posibilidad de componer sin prejuicios, de apasionarse por sus propias ideas y simplemente de ir a su aire sin abandonar la gran dosis de adicción que tienen sus composiciones. Recordar lo que tuvieron de especial discos como Dots and Loops, Emperor Tomato Ketchup o Cobra And Phases Group Play Voltage In The Milky Night y sumergirse en Chemical Chords, pertenecen a esa misma clase de cosas que se explican con no pocas palabras optimistas y apasionadas.

Los Stereolab de hoy suenan más Stereolab que nunca y mantienen encendida la llama de la gran esperanza para el pop sin encasillamiento en la que prende con fuerza la idea de que la creatividad nos salvará de la mentira. Las leyes de la gravedad nos devolverán la necesidad de pisar el suelo que está bajo nuestros pies para entender nuestra propia realidad, que como explicará Laetitia en las siguientes líneas poco o nada tiene que ver con lo que vemos en televisión. Laetitia Sadier y Tim Gane nos abren de par en par más que su explicación de un disco abierto, variado o extraño en su construcción, sino que además ofrecen gemas conversacionales que les otorga su autenticidad, su observación activa de la sociedad en la que viven y de cual debe ser la posición de un artista musical ante un entorno viciado.

Después de cuatro años publicáis vuestro nuevo disco de estudio al margen de recopilatorios. Habitualmente publicabais discos más asiduamente, hubo un tiempo que entregabais disco por año, ¿por qué habéis tardado tanto tiempo en publicarlo, tiene que ver con vuestros trabajos en solitario?
Tim: Es un proceso normal, al principio tocábamos mucho menos en directo y eso nos daba la posibilidad de grabar muchos discos. Llegó un punto en el que después de cada disco había giras cada vez más largas, por ejemplo con Margerine Eclipse estuvimos girando más de  un año además de tener que componer el material extra de siete singles y sinceramente mientras estoy de gira no puedo componer. En el caso de este disco además es que hemos estado haciendo cosas al margen de Stereolab. Laetitia ha sacado en este tiempo un disco con Monade y su consiguiente tour y yo he estado trabajando en la banda sonora de La Vie d´Artiste.  Cuando nos hemos dado cuenta han pasado cuatro años pero durante ese tiempo han pasado muchas cosas que a lo mejor no tienen la difusión de un álbum en tema de promoción, pero no hemos estado en ningún momento inactivos.

Esta es para Tim: ¿Qué ha significado para ti la composición de la banda sonora de La Vie d´Artiste, ha influido en algo a la hora de componer las canciones de vuestro nuevo disco?
T: La verdad es que sí que hay una influencia y una relación entre las dos cosas porque a pesar de que compuse la banda sonora específicamente para la película y he compuesto las canciones específicamente para el álbum si que hay conexiones. Tengo dos ejemplos: en un tema que aparece en el álbum que se titula “Self Portrait With ‘Electric Brain’” empecé como a jugar con unos acordes, escala arriba, escala abajo, más rápido, más lento, y al final terminé con dos versiones de ese experimento una ha terminado en el álbum y la otra en la banda sonora, como dos variaciones de la misma idea. Por otro lado algo que ha permeado de la banda sonora al disco es la idea de componer piezas cortas, de un minuto aquí, cuarenta segundos allí. Todas las canciones del álbum comenzaron como pequeños trozos de 45-50 segundos y a partir de ahí se desarrollaban. Tenía en mente esta idea de algo muy preciso, de inspirarme en lo breve, para, a partir de esos trozos, conseguir canciones pop para un disco de Stereolab.

nosotros en realidad siempre nos hemos visto como algo que orbita alrededor de la industria o del negocio del espectáculo

Esta es para Laetitia: ¿Cómo consigues hacer compatibles Stereolab y Monade?
Laetitia: La verdad es que no son incompatibles, en vez de verlo como una amenaza para Stereolab y que pueda poner en peligro al grupo lo veo como algo complementario, además no es algo premeditado. De repente me encontré tocando la guitarra, componiendo y teniendo como un proyecto paralelo a Stereolab pero ni siquiera sé cómo, porque normalmente soy una persona muy perezosa, no sé que es lo que me guió a hacer esto y supongo que es simplemente que la creatividad busca sus propias maneras de salir y así complementar la que me sale para Stereolab. Curiosamente no ha sido hasta mucho después que me he dado cuenta que en el nombre de los grupos hay  una relación Stereolab como el proyecto conjunto por eso de stereo y el proyecto individual como es el mono de Monade. Creo que deberíamos estimular la creatividad en vez de constreñirla a los proyectos en los que estás involucrado, creo que el artista debe ser autónomo y superar las típicas manías y formas de trabajar que tienen los grupos. Apareció y ni siquiera sé si habrá más discos de Monade, vino y me empujó a subirme a un escenario con una guitarra cuando realmente no sabía muy bien cómo tocarla.

Chemical Chords me parece un disco bastante curioso en su estructura formal, me gustaría saber ¿cuándo y cómo se han forjado las canciones de este disco? Y ¿Cuándo aparecen las contribuciones de Joe Watson como ingeniero y Sean O´Hagan como arreglista?
T: Esta vez ha sido construido de una manera extraña con respecto a nuestros discos anteriores. Nuestro batería estaba haciéndose un estudio en Londres, así que no podíamos contar con él. Empezamos por grabar primero con el organista unos loops de batería y una vez que esos ritmos estaban grabados, empecé a componer por partes las estructuras de acordes, pasé esos acordes a un teclado MIDI y una vez que tenemos esto es cuando lo empezamos a mezclar y a probar con diferentes ritmos esos acordes y melodías que en principio eran neutros y no tenían que ir con un ritmo concreto. Estuvimos probando, acelerando o frenando los ritmos hasta ver un resultado, era divertido probar, podían resultar las cosas como esperabas o no. La contribución de Sean es muy clara y muy sencilla de ver en el disco, yo le envié las pistas básicas y Sean hizo todos los arreglos de cuerdas y metales. Joe estuvo en la construcción del disco desde el principio conmigo y la verdad es que toca en el disco casi de todo, además de grabar y mezclar el disco conmigo, la verdad es que es responsable al menos de la mitad del disco.

Creo que en este disco habéis conseguido reunir vuestros grandes aciertos en el pasado pero además incluís nuevas estructuras y sonidos en canciones como “Pop Molecule” o “Daisy Click Clack” –creo que además partíais con 32 ideas iniciales-, consiguiendo uno de vuestros discos más abiertos y en cierto modo eclécticos. ¿Estáis de acuerdo?
T: La verdad es que de esas 32 ideas iniciales había como grupos de canciones, cuatro o cinco de un tipo de canción o cuatro o cinco de otro. No queríamos usar demasiadas canciones de cada grupo, preferíamos coger las más representativas de cada grupo. Esto lo hicimos para que unas canciones destacasen sobre otras y que no haya hueco a la linealidad habiendo tres canciones parecidas seguidas, la idea era que las canciones se complementaran como entes separados. Por ejemplo “Daisy Click Clack” cuando empiezo a componerla en el piano, es de una manera y luego al mezclarla con los ritmos es totalmente diferente, al ver ese camino que toma decidimos llevarla a estructuras de pop clásico, no estaba decidido de antemano que resultara así, sino que surgió así durante el proceso de construcción. Con esas 32 ideas divididas en grupos y luego eligiendo lo representativo buscábamos de manera consciente que resultara un disco variado y creo que lo hemos conseguido.

creo que el artista debe ser autónomo y superar las típicas manías y formas de trabajar que tienen los grupos

Según contabas antes el método de trabajo no es el de una banda al uso, Andy Ramsay, vuestro batería, en Londres, Tim en Berlín, Laetitia en Toulusse. Debe ser muy complicado hacer que todo encaje a la hora de grabar un disco.
L: Bueno yo acabo de mudarme a Londres (risas). Logísticamente el que peor lo lleva es nuestro manager, para el es una pesadilla, aparte de lo que comentas tenemos un nuevo miembro en Toulusse y Simon Johns, nuestro bajista, vive en Estambul. De todas formas nosotros nunca hemos sido una banda de componer como grupo, nunca nos hemos juntado todos como una banda en el local de ensayo para componer una canción. Tim siempre escribe las canciones y yo las letras he intentábamos ensayar para grabarlas, vimos que eso no funcionaba y el método cambió a Tim hace las canciones, yo hago las letras, y las grabamos, después nos juntamos en el estudio para hacer versiones de nuestras propias canciones, ahí ya ni siquiera nos preocupamos en reproducirlas tal y como están en el disco o buscar la magia que tenían cuando se grabaron, simplemente hacemos versiones de las canciones para los directos. No trabajamos como una banda al uso: Creamos en el estudio, grabamos y luego tenemos que aprendernos las canciones para tocarlas en directo.

Los mensajes de las canciones de Stereolab siempre han tenido un mensaje político, sobre todo en vuestros primeros discos, ¿cuál sería ese mensaje en 2008?
L:  Es curioso porque justamente en una de las canciones digo que el mensaje sigue siendo el mismo de siempre: hay que tener en cuenta las leyes de la gravedad. La creatividad te da una alternativa para ser un poco más libre. Creo que los gobiernos están encantados y compinchados con los medios de comunicación para que la gente se mantenga asustada de sí misma y temerosa, el miedo de la gente hace que no se paren a pensar que las relaciones entre humanos son más sencillas y todos vivimos como en la realidad que nos imponen, pero a la vez, hay cosas de la realidad que no son nada agradables como nuestros demonios interiores, nuestras paranoias, nuestras miserias. Los gobiernos y el sistema capitalista aliados a los medios quieren mantenernos en esa burbuja de la que parece que no se puede salir. Sobre el mensaje me planteo constantemente que quiero decir con lo de las leyes de Newton, lo que quiero es que tengamos en cuenta que con los pies en la tierra podemos salir de la burbuja de inseguridad y fomentar la creatividad puede ser una buena manera de salir de ella. Hay que reaccionar contra los anuncios de televisión donde se nos propone un estilo de vida con cánones establecidos, debemos siempre estar sonrientes, con todo muy pulido, limpio, algo que nos aleja de aceptar como somos en realidad, eso debería ser lo grande del ser humano, aceptar que las cosas no tienen que ser siempre bonitas y maravillosas, entender que la realidad aunque no guste es nuestro bien más preciado y que en el hecho de ser creativos para poder aceptarla y disfrutarla es donde reside nuestra grandeza.

Vuestro disco más reconocido es Emperor Tomato Ketchup, ¿creéis que hay ciertos paralelismos en este disco con canciones como “Three Women”?
T: En realidad creo que tiene más conexión con Dots And Loops. No lo veo en esa canción en concreto pero me parece una apreciación interesante, me fijaré más a partir de ahora. ¿Puedes ser más específico?


En realidad después de haber escuchado todos vuestros discos a lo largo de todos estos años, este creo que recoge todos vuestros mejores momentos anteriores, me vienen flashes a la cabeza de todo lo que significa Stereolab y sobre todo me vienen flashes de ese disco y lo comparo en términos de cima artística para vuestro grupo.
T: No tratamos de esconder las conexiones, si algo sucede naturalmente para mí está perfecto. El denominador común entre Emperor Tomato Ketchup y este es lo rápido que he compuesto las canciones, de hecho este disco es el que más rápido he compuesto, hice como cincuenta canciones en dos semanas. Para mí eso es una buena señal. Cuando hay una idea muy fuerte hay que aprovechar para hacer todo lo posible con esa idea y esa inspiración, es un síntoma de que algo se está haciendo bien.

Para mí Stereolab es uno de los grupos más creativos con los que he tenido la suerte de crecer sin que nadie pretendiera venderme nada, habéis seguido una línea propia desde siempre sin rendiros a modas ni tendencias, con lo difícil que eso le resulta a muchos grupos de vuestra generación por las presiones de la industria. ¿Cómo habéis podido mantener esa línea durante tanto tiempo?
T: Para nosotros no ha supuesto ningún tipo de esfuerzo. No elegimos ser así no sólo por el hecho de que sea una cosa natural, sino que no sabemos hacerlo de otra manera, nosotros en realidad siempre nos hemos visto como algo que orbita alrededor de la industria o del negocio del espectáculo o del ocio, a veces hemos estado más cerca de lo que se vendía en determinado momento y otras totalmente alejados, es como la rotación de los planetas, a veces están más cerca y otras más lejos del sol. Yo hago canciones en todo ese trayecto, si creo que una idea es buena, aunque lo comparta una sola persona yo puedo darme por más que satisfecho. Dots And Loops fue nuestro disco con más éxito y coincidía con lo que se hacía entonces, pero no fue nada forzado hacerlo así, nunca nos hemos planteado ser más grandes o más pequeños, sólo hacemos lo que nos sale en cada momento.
L: Demasiadas veces me encuentro con gente joven que está desesperada por ser cool, nunca he entendido esta necesidad y por el contrario no entiendo como la gente no trata de salirse de los canones establecidos de lo que debe ser o no cool, es algo que imponen las modas, es el nuevo fascismo en la industria de la música y que parece que siempre hay que hacer cosas de una determinada manera, anulando lo que realmente los artistas podrían llegar a hacer. No hay que tener miedo a ser diferente, supongo que eso debería ser lo realmente cool.

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