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Christina Rosenvinge
Dime que me querrás

FECHA DE PUBLICACIÓN: 04/11/2008

AUTOR: José M. Gallardo

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Foto: Christina Rosenvinge

Christina Rosenvinge lleva un tiempo recordando que su vasta carrera en la música cada vez hay que tomarla más en serio. Cada vez factura discos más vertebrados, más sofisticados, más intensos, por eso Tu Labio Superior es candente, es expansivo, íntimo, casi susurrante y una cumbre en su trayectoria, un manual de sentimientos y emociones superpuestas sobre las relaciones personales.

El aire de este disco es un poco francófono, cerca de la chanson francesa de los sesenta con Jane Birkin y Serge Gainsbourg en el rincón predilecto. Sí, esto ya estaba en anteriores discos, pero la novedad es que es un disco íntegramente compuesto en castellano con letras cargadas de sensibilidad y literatura quebrada por la pasión, con ese profundo olor americano que ya es difícil que se pueda quitar de encima porque ya es parte de su recetario. Las decepciones y el anhelo que provoca el amor y el desamor y que le dan a ese sonido una lectura muy personal en la que el carisma mezcla de fragilidad y altivez de Christina explotan en un rayo de luz cegadora.

Destaca la labor de productora de Christina y no porque cómo dice ella “haya tocado ningún botón de ningún Pro Tools” sino que ha llegado ya a un punto en el que su colección de amigos-colaboradores es ya lo suficientemente relevante, para poder permitirse el lujo de utilizar a cada persona para cada cosa que busca. En este disco hay colaboraciones de Steve Shelley (Sonic Youth), Chris Brokaw (Come), Nacho Vegas, Charlie Bautista (fiel y eficaz colaborador en bandas como The Sunday Drivers, Russian Red, Tulsa o Amigos Imaginarios y creador de grupos como Melusa) y con mezclas de John Agnello (productor entre otros de algunos discos de Sonic Youth, The Hold Steady, Dinosaur Jr. o The Ponys) y el rey de la masterización Greg Calbi. Por eso o simplemente porque las canciones son muy sólidas, que junto a una de las mejores voces femeninas de este país, consigue esa magia destinada sólo a muy pocos artistas y discos.

Christina ha estado detrás también de elegir con que se sienta para hablar de su disco y Supernovapop es uno de esos escaparates en los que a Christina le apetece lucir su colección de temporada, una colección de profundo blanco y negro, intensa sencillez, confección delicada y textura sedosa, con pequeños detalles que firma con su ya celebrada instintiva femenina madurez.

Lo primero que destaca de este disco es que contiene un aura de disco importante, de cúmulo de aciertos, de esos que crean conciencia de escuchar algo relevante y sólido. ¿Tú lo ves así, destacando este disco sobre toda tu carrera? ¿En serio?, la verdad es que ya me lo han dicho varios periodistas. Me hace gracia ese adjetivo, “importante”. La verdad es que les corresponde a los demás juzgar eso. Tú haces un disco, tienes tus razones para hacerlo de una manera o de otra y todos resultan igualmente importantes. Luego con el tiempo unos adquieren más importancia que otros. Yo sigo teniendo una relación importante con canciones que no han llegado a nada porque la gente no ha entendido cosas en su momento y que para mí significan cotas altas en mi composición. Me alegro que digas eso porque lo que he intentado con ese disco ha salido bien, buscaba eso que tú decías, buscar un sonido más sólido que no había conseguido en los discos anteriores, también porque en los otros discos estaba jugando a otra cosa (risas).

¿A qué estabas jugando en los otros discos? Pues en toda la etapa americana la verdad estaba intentando de alguna manera, en vez de esconder mi manera de interpretar que tiene más altibajos, no en la interpretación, sino que en general fluctúa mucho más y es de alguna manera más frágil, en vez de esconderlo en todos esos discos en inglés, lo convertí en un estilo, las canciones salían casi como me salían cuando las tocaba sola. Sin embargo en este disco el juego era decir: Bueno las canciones son así, de manera lineal, pero quiero llevarlas a un sonido mucho más sólido y contundente, también en las baladas, intentando que no existiera esa especie de rollo onírico que tenían los otros discos.

Pienso que esa solidez la provoca que tanto la música como las letras se pueden disfrutar por separado, juntas tienen magia pero separadas también funcionan. Esta muy bien que lo veas así y me alegra porque para mí las buenas canciones tienen esa cualidad siempre, tú te puedes leer las letras de Morrissey solas y funcionan como texto, eso es algo estupendo.

¿Cómo has llevado el proceso de conseguir conjuntar ambas cosas: música y letras? Sale de una manera muy intuitiva. En un momento en el que se supone que debería estar ensayando, me pongo a hacer algo nuevo porque me divierte mucho más (risas), entonces sale una línea de melodía, profundizo, sale una parte y con suerte sale otra en días sucesivos. Cuando tengo una idea musical la dejo ahí unos días, semanas a veces, después de grabar muchas de estas ideas en mini-disc, elijo las que más me convencen y les pongo letras. Hay veces que cuando haces la melodía ya fonéticamente te van encajando cosas.

Encuentro que en las letras de este disco hay una temática común. Centrada en la relación de pareja y los diferentes estados de ánimo que provocan las relaciones: decepciones, anhelos, despedidas, pasión… Sí, la hay, pero yo me he dado cuanta al final (risas). Me he dado cuenta que en todas las canciones había un “tú” masculino aunque no lo había hecho con esa intención. En las letras se dejan ver truculencias emocionales de distintos tipos, siempre me ha gustado escribir sobre eso, siempre me han gustado las canciones de ruptura, en este caso tenía el aliciente de que mi vida personal últimamente es un poco desastrosa (risas), siempre utilizo la primera persona para contar cosas, sin embargo este no es un disco tan confesional como piensa la gente. Puede que las letras sean un poco autobiográficas pero no son literales.

Siempre me han gustado las canciones de ruptura, en este caso tenía el aliciente de que mi vida personal últimamente es un poco desastrosa

Entonces ¿En el fondo no necesitas escribir una letra para llegar a un estado de liberación? Hay un momento en el que cuando tú escribes exactamente lo que tienes dentro hay algo en esas líneas que no sé porque siempre suenan a verdad y trascienden y la gente las sabe señalar después, lo que es de verdad, no sé como, se acaba notando y es verdad que eso pasa en las canciones y es un fenómeno curioso, pero no es terapia exactamente, es simplemente que la música sale de lo más profundo de tu persona y es normal que se refleje la situación en la que tu estás en ese momento.

Hay sobre todo dos canciones de este disco que en mi opinión resaltan sobre las demás que son “Eclipse” y “La Horas”. ¡Buen Gusto, Buen Gusto!, también son las que más me gustan a mí (risas). Son las dos con las que tengo una relación muy especial. “Eclipse” es un poco heredera de “Tok Tok” que estaba en mi anterior disco y es una especie de estilo nuevo que estoy empezando a desarrollar, que es escribir canciones al piano utilizando el piano como instrumento rítmico no tanto como melódico. Me gusta mucho porque cómo llegamos a ese arreglo entre todo el grupo, fue muy intenso, fue la última que grabamos y fue muy difícil llegar a ello porque yo quería que sonara como una mezcla de Gainsbourg y los Bad Seeds pero como si metieras a los Bad Seeds debajo de una alfombra y no los pudieras oír del todo en una especie de pequeña contención o amortiguación de ese sonido, porque yo iba a susurrar encima, así tampoco me podía comer, es lo que tiene ser una chica con cuatro tiarrones (risas), que siempre estás ahí contra la pared (risas).

Citabas a Gainsbourg y en general, teniendo en cuenta que firmas como productora de este disco, hay una cierta manera de producir al estilo de cómo el lo hacía. Siempre he estado implicada en las producciones de mis discos. Este ha sido en varias etapas. La primera fue cuando realmente empecé a escribir las canciones y a ensayarlas, en esa fase Charlie Bautista estuvo muy presente sobre todo en temas como “Negro Cinturón” y “Anoche (El Puñal y La Memoria)” (de la que además es coautor). Después compuse más canciones cuando estaba en gira con Nacho Vegas. Cuando ya tenía un montón de canciones nos fuimos a Nueva York, me costó mucho convencer a Charlie porque como la gente sabe toca en el 90% de los grupos de Madrid, en esta etapa Steve Shelley estuvo muy implicado porque además lo hicimos en su estudio. Grabamos durante cinco días y todo el mundo se fue, me quedé trabajando con Chris Brokaw y rehice las voces. Después vine a Madrid y con Angel Medina hicimos más retoques. Me fui después a Hoboken y lo mezclé con John Agnello. Lo de productora es más que a estas alturas sé a quién llamar para qué. Yo no toco los botones, yo lo que tengo es una idea muy clara de lo que quiero hacer y a quién pedírsela.

Era un poco lo que te comentaba antes, da la impresión de que tenías muy claro como querías que sonara este disco... Siempre tengo ideas muy claras y muchas veces no sé cómo llegar a ellas, entonces para eso tengo gente a mi alrededor que vale mucho y con unas cuantas referencias todos saben como llegar al sitio que busco.

¿Y cuando tu tienes claro a que quieres sonar es porque quieres sonar a determinada música o disco que te atrae por su sonido? Sí, es verdad que hay canciones como “Eclipse” en el que tengo clarísimo a que quiero sonar, igual que quería una cuerda en el principio de esa canción que sonara a Warren Ellis. Muchas veces quiero que las cosas suenen a esto o lo otro pero luego son los músicos los que lo interpretan a su manera. Otras veces las cosas salen simplemente por accidente como en “Por La Noche”. “Las Horas” que es la otra canción que citabas antes la escribí con Jeremy Wilms que es el bajista y es heredera también de Continental 62, mi anterior disco, es otra línea de trabajo, guitarras arpegiadas que suenan un poco cómo un reloj y un estribillo parecido a las bandas sonoras de Michel Legrand y ese tipo de sonidos de las películas de los 70.

En el disco hay una versión de “In The Evening” de Leroy Carr. ¿Porque incluir esa versión en este disco? Esa canción que es un estándar de blues, la conocía en otras versiones y nunca había tenido una relación especial con ella pero la oí en el pasado Tanned Tin interpretada por Chris Brokaw y Geoff Farina en una versión acústica y me pareció una cosa preciosa. Así que es una versión de una versión.

Una de las cosas que yo tengo pendiente es tener una banda en la que otro sea el líder, es algo que me apetece mucho hacer, está en marcha y espero que fructifique

En ese Tanned Tin tocaste con Two Dollar Guitar, donde también estaba Chris Brokaw, ahora colabora en tú disco, supongo que ha surgido entre vosotros una buena relación. La verdad es que lo conocí el mismo día del concierto durante la prueba de sonido. La relación es muy buena y forma parte de la idea, donde debía ir un sonido más frágil necesitaba un sonido más sólido, más masculino, ya que las canciones eran muy femeninas quería como los dos extremos y Chris me parece un músico sólido tanto cuando toca en acústico, cómo cuando toca eléctrico y además me parece un complemento ideal para Charlie, con la idea de que pudiera haber un diálogo entre guitarras.

Antes hablabas de tu etapa americana, ¿se abre ahora una nueva etapa, ya has pensado un nombre? (risas), no le he puesto nombre todavía, en el siguiente disco ya se lo buscaré. Este es el principio de otra trilogía, puede ser la trilogía de Fuencarral, por ejemplo (risas), ahora mismo estoy en la calle Espíritu Santo y cuando doble la esquina haré el siguiente (risas)

Resulta curioso que este disco (que no es comercial) salga con una multinacional, te lo permiten porque tienes manga ancha en la compañía. No, ellos oyeron algunas maquetas pero no hicimos contrato en ese momento. Estaban interesados pero tampoco demasiado, me miraban como una tía rara que hace cosas raras. Decidí grabar el disco por mi cuenta porque es mucho más ágil. Cuando estaba el disco grabado y nos faltaba mezclar fue cuando se lo llevé, les gustó y firmamos el contrato. De alguna manera el trato que tengo con la compañía, donde está Alfonso Pérez que sabe mucho de música y que no es sólo un empresario, no es el mismo trato que dan a otra gente, después de muchos años en esto si hay algo que te ganas con el tiempo es la confianza.

“Tres Minutos” es la nota discordante de este disco y es casi una canción punk. ¿Necesitaba este disco ese contrapunto? Justo cuando estaba haciendo la maleta para irme a grabar y revisando el disco me di cuenta de que faltaba un contrapunto, necesitaba una canción más rápida, me senté, escribí esta canción y cuando llegué al local la empecé a ensayar con Jeremy y con Steve con la idea de equilibrar el disco, es como las primeras canciones que yo escribía con 16 años.

El disco se abre con La Distancia Adecuada una canción en la que Nacho Vegas hace coros. ¿Qué tal resultó la colaboración que hicisteis hace poco, ha influido en algo en tu nuevo disco? Esa canción ya estaba escrita en esa época y la hacíamos en directo. La experiencia ha sido una isla en sí misma, pero a lo mejor ha sido una especie de calentamiento para volver a escribir en español, fue una experiencia muy buena y salieron canciones que nunca hubiera hecho sola. De la gira me ha gustado mucho cuando el estaba cantando y yo hacía mis partes. Me encanta el papel secundario (risas), ya sé que va a ser difícil que alguien me contrate pero realmente para mi es una oportunidad de crecer porque cuando estás cantando tienes otro tipo de estado en el escenario, cuando tocas es una sensación distinta, no tienes tanta responsabilidad y es más divertido.

¿Pesa el protagonismo? Pesa y mucho y de hecho una de las cosas que yo tengo pendiente es tener una banda en la que otro sea el líder, es algo que me apetece mucho hacer, está en marcha y espero que fructifique. No puedo decir más por si al final no pasa (risas). 

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